Operaestate, Museo Remondini, “La Melancolia 1” del Dürer narrata da Luca Scarlini, accompagnato dalle note di Alberto Mesirca

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Alberto Mesirca, Albrecht Dürer, Li, Li-JenSih, Luca Scarini, Marica Rossi

Di Marica Rossi
I tesori d’arte che Bassano custodisce famosi quanto il suo leggendario Ponte, la magnificenza dei paesaggi e le architetture del centro storico, avvalorano il carnet di Operaestate per gli agganci che il Festival sa fare col patrimonio culturale della città collaudandone l’appeal di capitale dell’intrattenimento colto. La liaison più singolare quest’anno è stata con la mostra-evento di Dürer nel settecentesco Palazzo Sturm fresco d’un ineccepibile restauro inaugurato a maggio in occasione dell’importante vernissage. Uno scrigno imprescindibile per la rassegna che espone fino a settembre la collezione Remondini completa di tutte le sue 214 incisioni di Dürer.
Il Museo è per di più dotato d’una balconata panoramica sul Brenta ora eletta a palcoscenico per la mastodontica scultura in acciaio del cinese Li-JenSih, Dürer, ,(mutuata dall’immagine dureriana del “Rinoceronte”), scenario ideale che sarebbe stato previsto anche, tempo permettendo, per il recital nella serata di martedì scorso. Si trattava di “Dürer, il linguaggio della Melanconia” con lo studioso Luca Scarlini, accademico fiorentino drammaturgico che da sempre si prefigge una comunicazione per i molti e quindi divulgativa, ma senza che nulla vada perduto in scientificità. Ad accompagnarlo era stato scelto il chitarrista classico Alberto Mesirca di Treviso, nominato “Giovane artista dell’anno” ai festival Aalborg in Danimarca e di Enschede in Olanda, nonché “Chitarra d’oro”(2013) col suo album “British Guitar Music”. Ma venendo alla bella riuscita dell’atteso spettacolo, piace dire che se è vero che il dispettoso Giove Pluvio ha impedito con le sue minacce l’incontro all’aperto, è altrettanto certo che l’acustica ci ha guadagnato parecchio sia per l’ascolto del fine dicitore sia delle note a corredo dell’esibizione. E infatti la deliziosa Sala degli Specchi, d’apparente ripiego logistico, è stata invece oltre che una gioia per gli occhi come per i visitatori di sempre, una felice esperienza intellettuale ed emotiva per l’interesse suscitato dalle immagini del luogo in perfetta sintonia con la grazia, l’ arguzia, l’ironia e il senso teatrale nel prosieguo dell’originale performance di parola e musica. Agevolmente dunque ci si è addentrati nella mitologia e nei significati espressi da Dürer nella celebre incisione seguendo lo studioso tra riflessioni filosofiche, aneddoti storici, d’estetica e di costume, alternando digressioni in età precedenti e successive a quella del genio di Norimberga compresa la nostra epoca. Altrettanto significativo che il sapiente eloquio sia stato coronato da intermezzi musicali molto a tema e mai scontati. Si è partiti da Saturno, stella di riferimento per i temperamenti malinconici, passando poi a Marsilio Ficino il cui talento fu così inversamente proporzionale alla presenza estetica del rammaricato umanista da diventare emblema della teoria per la quale melinconia e genio son da ritenersi inscindibili. Questo momento d’intensa riflessione ha introdotto molto bene nelle evocazioni di altri personaggi e vicende tra cui del povero rinoceronte spiaggiato, segnando l’avvio alle pause musicali eseguite da Mesirca come la suite ‘”L’infidéle” brano barocco di Silvius Leopold Weiss, eccellendo nella “Fuga BWV 1000” di Bach per arrivare in finale ad accompagnare l’attore Scarlini (anche cantante per l’occasione) sulle note del 20th Century Blues di Noel Coward. Il tutto eseguito magistralmente, senza forzature divistiche come insegna Scarlini, forte del medesimo mood.
Due i temi ricorrenti: l’importanza della venuta di Durer da Norimberga (all’epoca una novella Atene) per le mai da allora perdute connessioni artistiche tra Italia e Germania (proprio nel momento in cui i due paesi stavano per separarsi culturalmente sull’onda della Riforma Luterana); e l’incisione che Durer eseguì nel 1514 “La Melancolia 1” siglata con il monogramma in basso a destra distinguendosi anche per questo ‘vezzo’da tutti gli altri artisti.
E’ un magnifico bulino che rappresenta nella penombra di un crepuscolo rischiarata da una cometa, una fanciulla alata. Lei siede in una terrazza circondata da oggetti di vario tipo: una mano è appoggiata alla testa in un atteggiamento pensoso mentre l’altra è ad impugnare un compasso. Un cane dorme ai suoi piedi e un cherubino è seduto sopra una macina mentre dietro appare uno strano edificio che affianca uno specchio d’acqua sopra il quale un pipistrello mostra un cartiglio con la scritta “melancolia”. Una summa che Scarlini ha illustrato citando più interpretazioni ammaliando il pubblico che indubbiamente sarà indotto a rivisitare la mostra coi molti elementi utili ad una lettura ‘avvertita’ dei tanti aspetti cui quell’opera rinvia evidenziandone non solo l’arte raffinatissima ma anche la sua sempreverde vitalità e valenza conoscitiva.

Giulio Manfredi ingioiella la Pinacoteca Ambrosiana in omaggio al Da Vinci

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Marica Rossi

(di Marica Rossi)
Incanti, sacralità e misteri dell’”Ultima Cena” di Leonardo! Per l’anniversario del mezzo millennio dalla morte del Grande Maestro rinascimentale la si è celebrata con un tributo molto speciale in oro e pietre preziose. Un compito che si è dato Giulio Manfredi impiegando al massimo il talento, l’arte e le doti d’artigiano riconosciutegli a livello internazionale. Già noto per le importanti committenze di Gucci e Vacheron Constantin e le creazioni celebrative ispirate a Piero della Francesca e a Manzoni come la decantata raggiera di Lucia Mondella, l’artista piacentino milanese d’adozione vi si è cimentato con fervore e rigore. L’invito a farlo è pervenuto dal Ministero dei Beni Culturali e della Regione Lombardia che a ragione l’hanno ritenuto all’altezza per cultura, perizia orafa e profondità d’intenti. Lui non ha frapposto indugi e ha fatto precedere questo lavoro da un lungo studio e da molte frequentazioni alla sala del famoso affresco conservato al Cenacolo di Santa Maria delle Grazie a Milano. Ne è nato “L’Oro in-visibile” che inanella 12+1 opere preziose (una per ogni Apostolo con al centro quella per Gesù), che compongono la mostra di straordinario splendore curata da Alberto Rocca, direttore della Pinacoteca Ambrosiana e dal critico Arnaldo Colasanti. Un’esposizione che fa bella mostra di sé fino al 19 luglio alla Venerabile Pinacoteca Ambrosiana in piazza Pio XI a Milano offendo un’ulteriore occasione per visitare questo tempio di cultura, fede e arte, ricco di tesori esclusivi come il Codice Atlantico e una copia del Cenacolo stesso voluta da Federico Borromeo. Tornando all’insigne raccolta di gioielli, anzitutto va detto che Manfredi s’è proposto di celebrare la bellezza e d’interpretare l’armonia del capolavoro vinciano recuperando i colori e i movimenti dei personaggi, nonché la misteriosa e sapiente composizione dell’opera. Il suo fulcro non poteva che essere nella figura di Gesù rappresentato da una corona sottile in oro bianco con i simboli di un antico alfabeto che esalta valori umani come la pace, la famiglia, l’amicizia, con al centro un granato e un diamante segno di regalità. Ogni scultura è ricca di riferimenti alla vita e all’agiografia degli apostoli. E quindi vediamo Giovanni, il discepolo prediletto, prendere forma in un calice ( metafora di fraternità e convivialità) impreziosito da smeraldi, simbolo di purezza e spiritualità. Bartolomeo rivive in calzari, viatico d’oro e gemme emblema di coraggio per il lungo cammino che si dice l’abbia portato fino in India. A Taddeo arride il soffio di luce emanato da un spilla con un rubino metafora dell’amore puro. Matteo è simboleggiato da un penna che descrive la sua metamorfosi da esattore a primo autore del Vangelo. Andrea è ricordato con una croce decussata in oro rosso, malachite e zaffiro, simbolo di speranza. Alcuni riferimenti sono più immediati: a Giacomo minore viene accostato un luminoso anello; un anello da pescatore a Pietro; a Giacomo Maggiore una calotta con una pioggia di stelle; a Filippo una campana, a Taddeo una composizione in quarzo, a Tommaso un bracciale. La più sorprendente idea Giulio Manfredi l’ha riservata a Giuda cui ha dedicato un ramoscello d’ulivo (la rinascita dopo il perdono). Una creazione in oro e giada che rinvia al significato che in generale l’autore dà a questo capolavoro. “Nella tradizione cristiana” spiega Giulio Manfredi ”il Cenacolo racconta la nuova unione tra Dio e gli uomini se l’edificazione dell’Eucarestia è il momento in cui i 12 apostoli scoprono i propri talenti spirituali e diventano la fonte delle 12 chiese. Ciò significa che nei personaggi rappresentati, prima che il dramma del tradimento, riemerge con forza il mistero di una spiritualità sanata e libera che solo l’arte può esprimere. Disegnare e realizzare quelle sculture vuol dire riconquistare la grande tradizione del gioiello come valore sacro e simbolico. Non un mondano oggetto di valore, dunque, quanto un segno forte dei carismi che ciascun apostolo in sé custodisce”. Il monumentale catalogo che accompagna queste meraviglie è anch’esso un’opera d’arte ed è trilingue di cui una versione in giapponese perché la mostra è attesa a Tokio a rappresentare la magnificenza dell’arte italiana nel mondo. (© Marica Rossi, Aidanews. Courtesy )

Zamperla, il re del fantastico che conquista il mondo

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Antonio Zamperla, Elena Donazzan, Marica Rossi

(di Marica Rossi)
Le giostre son sempre le benvenute nelle nostre città legate come sono ai bei ricordi dell’infanzia e ad un intramontabile fascino romantico che registi e artisti han alimentato rendendo omaggio a questo mondo fantastico forte di suo appeal d’una teatralità spesso ingenua e ruspante di cui pure oggi s’abbisogna nonostante gl’intontimenti da web.
Se poi guardiamo alla loro storia, nessuno può prescindere né dall’habitat rodigino che per secolare tradizione ne detiene il primato, nè da quello vicentino dove la ditta Zamperla di Dueville è diventata, in cinquantatre anni di vita, leader mondiale nel campo della progettazione e della produzione di tutte le attrezzature per lunapark.
La terra del Po ha inoltre un museo (che celebra i suoi trent’anni) tutto dedicato a questo settore. Si chiama “Bergantino” ed è omonimo del paese che lo custodisce da dove probabilmente è partita l’idea della mostra che da marzo è stata aperta fino a tutto questo giugno a Palazzo Roverella in Rovigo. ”Giostre! Storie, immagini, giochi” ha albergato al suo interno una grande mostra fotografica con scatti di Gabriele Basilico, Cartier-Bresson, Luigi Ghirri, Paolo Gioli, Eliot Erwitt, Robert Doisneau, Giacomelli, David Seymour(alcuni dei 60 esposti). Ed è stato il primo atto d’un viaggio plurisensoriale che ha inanellato dipinti tematici di grandi artisti del Novecento da Balla a Campigli, vivaci manifesti dall’Ottocento agli anni venti, una carrellata di giocattoli antichi (come quelli prestati dal Museo Chiericati di Vicenza), giostrine del passato, citazioni di film quali” Jodi delle giostre”(premio David di Donatello 2011) di Adriano Sforza e una curiosa istallazione contemporanea (del vincitore di un premio alla Biennale a Venezia Stephen Wilks) che al posto del sempiterno cavallo, alberga asini. Il merito della rassegna va alla Fondazione Cariparo, alla collaborazione e ai prestiti del succitato Museo della Giostra, al Comune di Rovigo, all’Accademia dei Concordi, alla curatela di Roberta Valtorta colla collaborazione di Mario Finozzi.

Antonio Zamperla Spa, produttore di attrazioni per parchi di divertimenti, con sede in Altavilla Vicentina, ha emesso un nuovo minibond di 1,5 milioni di euro con scadenza 2023, garantito dal Fondo Europeo per Investimenti. Advisor e arranger dell’operazione è Mediocredito Trentino Alto Adige. Fondata negli anni ’60 e interamente controllata dall’omonima famiglia, Zamperla Spa è specializzata nella progettazione, costruzione e commercializzazione di attrazioni per parchi divertimento, in Italia e all’estero. Ha fornito 7 attrazioni su 12 al lancio di Eurodisney a Parigi nel 1988 come pure le giostre per parco divertimenti di Coney Island a Brooklyn (New York). Azienda fortemente internazionalizzata – il fatturato consolidato del 2017 presenta una percentuale di export che si attesta al 99% – ha clientela: Walt Disney, MCA Universal Studios, Warner Bros, Paramount, Lego per citarne alcuni. Anche in Italia la società ha installato attrazioni, tra gli altri, a Mirabilandia e Cinecittà World; nel 2019 è prevista la creazione di un parco tematico a Bologna all’interno di Fico Eataly World. «Dopo alcune emissioni short term – precisa il CFO di Zamperla, Antonio Cecchetto – abbiamo voluto strutturare un minibond di più lunga durata, per sostenere la crescita aziendale e l’innovazione».

Zovencedo, Vicenza: l’archistar Chipperfield firma il teatro Cava Arcari tutto di pietra

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Marica Rossi

(di Marica Rossi) La mostra di architettura dedicata a Chipperfield a Vicenza in Basilica Palladiana è in perfetta sintonia con la città del Palladio celebrando l’utopia e l’armonia dell’abitare, nel culto dei valori dell’uomo e dell’ambiente. Tra i progetti illustrati di opere disseminate in tutto il pianeta che recano la firma dell’architetto britannico ce n’é uno per il quale assieme ai suoi quattro studi il confronto è avvenuto con un luogo inconsueto: una cava, il mondo sotterraneo. E’ accaduto proprio in territorio vicentino a Zovencedo sui colli berici. Un teatro di pietra scenografico e imponente che s’apre allo sguardo del visitatore come una cattedrale antica. Su laghi d’acqua. Non acqua stagnante ma limpida e rugiadosa perché alimentata dal ruscello che vi scorre accanto. E’ qui che David Chipperfield ha trasformato una cava abbandonata di Pietra di Vicenza in uno spazio per incontri e rappresentazioni grazie alla lungimiranza di Barbara e Deborah Morselletto, titolari dell’omonima azienda di lavorazione di pietre e marmi con sede a Vicenza e proprietarie del sito. In occasione dell’apertura della mostra di cui s’è detto sopra, la magica cavità rupestre è stata sede ambita di due concerti di Michael Nyman che vi ha eseguito (al pianoforte) e diretto (4 quartetti di ottoni ai quattro lati della cavea) sue composizioni ispirate, come lui stesso ha affermato, da “questo luogo quieto con una naturale amplificazione, difficile da trovare altrove”. ”Suonerei sempre qui” ha aggiunto“ perché qui le emozioni non si disperdono!”. La cava è infatti un set naturale. Uno spazio esaltante, che fa galoppare la fantasia ed elevare lo spirito.

Per questo si è provveduto a offrire opportunità di visite guidate di cui le prossime sono il 6 e il 13 luglio. Le visite sono gratuite. Basta prenotarsi il lunedì antecedente la data scelta per la visita telefonando allo 0444 396311 dalle ore 13 alle 15 (il numero è del Giornale di Vicenza, partner dell’iniziativa come Abacoarchitettura cui va il merito dell’intera mostra in Basilica dove si possono ammirare progetti e fasi in corso d’opera dell’istallazione di questo singolare teatro). Il ritrovo (come è stato per le prime visite già effettuate i cui posti- solo trenta per volta- sono andati esauriti in pochi minuti) sarà a Zovencedo alle 17e30 nelle vicinanze della cava denominata Cava Arcari. I partecipanti arriveranno con mezzi propri, muniti di felpa o maglione (la temperatura della cava è di 12 gradi) e scarpe adatte a camminare su sterrato per quindici minuti. A chi prenota la visita e si impegna a venire, sarà chiesto di lasciare nome, cognome, tel, indirizzo mail, recapito e professione. Verrà quindi contattato via e-mail con le indicazioni del punto preciso di ritrovo e del parcheggio. Da aggiungere che nei venerdì di visita della cava, l’apertura della mostra in Basilica sì protrae fino alle 22. Ecco allora che chi vuol completare la visione del tutto ha di che essere ampiamente illuminato. Ci sarà modo così di essere ulteriormente edotti su questo dialogo che si è creato tra l’architettura accidentale della cava e lo spazio formalizzato della scena e delle piattaforme con le sedute per gli spettatori e le aree destinate alle performance e all’ascolto.

Esiste inoltre un film realizzato da Raphael Chipperfield che ritrae il sito prima e dopo l’intervento.

Padova, Orto Botanico e Giardino della Biodiversità: Olimpia Biasi chiude con successo “Viriditas”

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Fabrizio Volpato, Giorgio Strapazzon, Marica Rossi, Olimpia Biasi, Virginia Baradel

(di Marica Rossi)
“Anche se l’evoluzione tirò fuori la pianta dal mare, non riuscì a tirare fuori il mare dalla pianta”. L’ecologo Jonathan Silverthown lo afferma in ”Vita segreta dei semi”; l’artista Olimpia Biasi nelle tripudianti cromie di tutti i suoi dipinti.
Lo si è visto con macroscopica evidenza all’Orto Botanico di Padova per la mostra assai ricca e anche per questo di gradissimo successo che si è conclusa ieri primo maggio. Ha fatto bene la colta creativa (Treviso 1947) a titolarla “Viriditas” inanellando opere luccicanti (per effetto d’arte ma anche di consapevolezza scientifica) della rugiadosa memoria delle acque da cui ogni creatura vivente trae il suo sostentamento e la sua vitalità. “Viriditas” l’ha promossa l’Università di Padova e a curarla è stata Virginia Baradel che ha disposto le creazioni nei lussureggianti esterni e nei saloni della parte nuova del Giardino della Biodiversità presso l’Orto Botanico di Padova costruita su progetto dei due architetti di Marostica Giorgio Strapazzon e Fabrizio Volpato.
Si trattava e si tratta di opere (non solo pittoriche) di cospicue dimensioni che evocano rigogli di felci verdeazzurro commiste a selve di alghe marine, a stille d’oceano risorte nei turgidi talami e a corolle vibranti di gocce cristalline. Erbe, fiori e anche insetti sintonizzati a vari ritmi nelle tele, nelle carte, nelle stoffe e nelle garze innervate della frenetica esistenza di una natura lasciata libera, di una vitalità espansa all’infinito recuperando l’arcana bellezza di foreste incontaminate e di misteriosi fondali marini come nella creazione che è stata accostata ai rami della “Palma di Goethe” la pianta che si erge nella parte più ammirata dell’Orto Botanico. Ne sono sortiti effetti che la pittrice non si è proposta del tutto perché ha lasciato fare ad un istinto connaturato ad una gestualità imprescindibile dal suo sapere di botanica, di arte figurativa e non, e di pratica di giardinaggio. Non solo in questa mostra appena conclusa ma anche nelle altre come questo marzo al Bailo di Treviso è stato dato al visitatore di assaporare il distillato della sua matrice espressionista, dei suoi studi con i maestri dello spazialismo, dell’influenza di Emilio Vedova, di uno sperimentalismo che non disdegna i materiali più diversi, soprattutto dopo che si è trasferita a Spresiano. In questo posto da favola nei pressi di Conegliano lei ha scelto la sua stabile dimora per vivere e lavorare in una vasta casa-studio con un giardino curato da lei trovando di che sbizzarrirsi come in una possente animata tavolozza.

Olimpia Biasi, Orto Botanico Padova

Olimpia Biasi, il Cielo Calpestabile (Kevin Granahan)

“Il ‘700 di un’Europa che cambia faccia”: Philippe Daverio incanta il pubblico vicentino al Teatro Comunale

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Christian Greco., Giovanni Carlo Federico Villa, Guido Beltramini, Marica Rossi, Philippe Daverio

(di Marica Rossi) La serata di questo 29 novembre rimarrà certamente impressa al pubblico del Teatro Comunale a Vicenza. Spettacolare non dal punto di vista mediatico o coreografico con quella scena invece così essenziale da prevedere solo un tavolino, una sedia accanto al protagonista Philippe Daverio reso a tutti visibile dallo schermo in alto che ne riportava l’immagini ingrandita, ma per il magistrale racconto che questo autore ha intessuto sul “‘700 e l’Europa delle Corti”, tema per il quale era invitato, primo dei quattro appuntamenti della stagione artistica berica per la sezione a cura di Guido Beltramini direttore del C.I.S.A.
Un progetto volto a focalizzare il ruolo di “sentinella” dell’arte nella percezione del cambiamento dei valori non solo culturali nei secoli più importanti per la nostra civiltà. Quindi gli incontri accomunati dall’emblematico titolo: “Arte e Rivoluzione, quando il mondo cambia, l’arte arriva prima” era stabilito dovessero vertere non su fatti storici tout court ma sui passaggi nodali di trasformazione nella storia della civiltà dove il discorso sotteso è comunque legato all’arte, premonitrice e foriera dei grandi eventi epocali.
Concetto che il celebre critico d’arte e scrittore Daverio, conosciuto dal pubblico anche per le sue numerose apparizioni televisive, ha evidenziato, con la verve che lo distingue, nella sua narrazione colta e vivace di ieri sera non lesinando in nessuno degli aspetti che caratterizzano il ‘700, nel corso del quale davvero l’Europa cambia faccia.

Una stile che conosciamo bene e per il quale la sala del Comunale era gremita di spettatori che neppure per un secondo hanno distolta l’attenzione dal suo discorso sulla vita di corte, sui costumi, sulla nascita della cucina (non solo la grande cuisine), soffermandosi su personaggi quali Voltaire, Diderot, Rousseau, il Winckelmann, Casanova, Federico II, Pietro il Grande, Cesare Beccaria e poi sulla Francia di Luigi XV, il Nord Europa dedito al Gran Tour, la musica di Bach e di Haendel e centri di diffusione della cultura come la Roma del Rococò (simpatica citazione: la fontana di Trevi) e il Veneto del Tiepolo e d’una Venezia esportatrice della cultura italiana nel mondo.

Philippe Daverio è nato nel 1949 a Mulhouse, in Alsazia, e vive a Milano. Docente ordinario emerito alla facoltà di Architettura presso l’Università degli Studi di Palermo, Direttore Artistico del Grande Museo del Duomo di Milano, membro del Consiglio di Fondazione Cini e membro del Comitato scientifico della Pinacoteca di Brera e Biblioteca nazionale Braidense, è l’autore e il conduttore dei programmi di arte e cultura Passepartout poi Il Capitale su RaiTre, ed Emporio Daverio su RaiCinque. Direttore di Art e Dossier di Giunti, è autore Rizzoli, con cui ha pubblicato la trilogia Il Museo immaginato (2011), Il secolo lungo della modernità (2012) e Il secolo spezzato delle Avanguardie (2014), e inoltre i volumi Guardar lontano Veder vicino (2013), il bestseller La buona strada (2015), e Il gioco della pittura (2015). Le stanze dell’armonia (2016).

I prossimi appuntamenti sempre al Teatro Comunale:

giovedì 25 gennaio 2018 ore 20e45
Christian Greco.”L’antico Egitto”.

Giovedì 15 febbraio 2018 0re 20e45
Giovanni Carlo Federico Villa “Il Quattrocento”

Giovedì 22 marzo2018 ore 20e45 Guido Beltramini
Il Cinquecento

Daverio: Il Settecento visto da un “franco-crucco” al Teatro Comunale di Vicenza

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Marica Rossi, Philippe Daverio

Se quello che abbiam lasciato alle spalle è il secolo breve, il Settecento è per il nostro Occidente il più longevo che la storia ricordi. Tante furono le sue stagioni, tutte diversissime tra loro, da rendere oltremodo difficile la percezione dei cambiamenti dei valori non solo culturali che nell’arco dei cent’anni si sono succeduti. A soccorrerci in questa quasi impossibile impresa è stasera mercoledì 29 Novembre al Teatro Comunale di Vicenza il critico d’arte docente universitario, conduttore televisivo Philippe Daverio nell’incontro alle 20e45 dal titolo emblematico “Arte e Rivoluzione”. Un percorso dedicato a quei grandi passaggi epocali di trasformazione focalizzando l’attenzione soprattutto sull’Europa delle Corti del Settecento. Quindi Daverio, per la prima volta sul palco del Teatro Comunale del capoluogo berico, si soffermerà con la verve che lo distingue, sui molti temi tra cui : vita di corte e guerre, frivolezze e dramma, il culto del viaggio e l’evoluzione dei costumi, i progressi della scienza, la diffusione del sapere grazie a personaggi come Voltaire, Diderot e gli Enciclopedisti, all’illuminismo, e a un nuovo modo di guardare all’umanità per il ruolo svolto da figure di intellettuali quali Cesare Beccaria.
Philippe Daverio si definisce franco-crucco perché nato in Alsazia. Poi ha preso stabile dimora a Milano divenendo, fra tanti altri incarichi,  docente alla facoltà di architettura, direttore artistico del grande Museo del Duomo, membro della fondazione Cini, del Comitato scientifico della Pinacoteca di Brera e Biblioteca Braidense.
La sua presenza per questo incontro vicentino inaugura una nuova sezione della stagione artistica del Comunale di Vicenza. Una sezione per l’arte che si presenta fin da subito estremamente interessante.

Vicenza: Sette capolavori di Giandomenico Tiepolo prestati dai nobili Franco al Palladio Museum

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Marica Rossi

Giandomenico Tiepolo

Sarebbe di certo contento Giovanni Comisso paladino della valorizzazione dei musei di Vicenza “città metafisica portata all’incantamento” di quest’ ultima nuova presenza nel salone delle Arti del nostro Palladio Museum dopo che i nobili Franco hanno deciso di rendere fruibile a vasto raggio questa parte importante della produzione tiepolesca. Sono sette capolavori finora sconosciuti del ‘Palladinista’ Giandomenico Tiepolo (1727-1804) che vanno ad arricchire il numero delle opere da ammirare al Centro Internazionale Studi Andrea Palladio in Palazzo Barbaran Da Porto. Il suo annuncio ufficiale nella sede di contrà Porti 11 il 3 novembre (con inaugurazione alle 18) apre alla mostra “Tiepolo segreto” a cura di Guido Beltramini, direttore del Centro e di Fabrizio Magani direttore della Soprintendenza di Verona. Si potranno così ammirare i sette affreschi da oltre mezzo secolo conservati nelle residenze dei proprietari che coraggiosamente li salvarono dalle distruzioni del secondo conflitto mondiale.
Oggi, convinti dell’opportunità del loro godimento pubblico, gli eredi Camillo e Giovanni Franco li hanno per l’appunto destinati per lungo tempo a questo museo che con molta sollecitudine dedica loro la mostra.
Nella fortunata vicenda s’intrecciano più storie: dell’arte dei Tiepolo fortemente innovativa nei confronti della tradizione frescante veneta; dei rischi nei quali incorsero le opere d’arte della nostra città nel conflitto bellico col conseguente grande merito di chi le ha salvate; e dei legami tra gli affreschi dei Palazzi Valmarana Franco, quelli realizzati con storie e mitologie campestri per la Villa Valmarana ai Nani e vent’anni dopo quelli per i palazzi a poca distanza dal Teatro Olimpico dove il registro è completamente diverso essendo che Tiepolo concepisce per il figlio del committente Gaetano Valmarana una riedizione in pittura della magnificente aulica scena del Teatro.

‘Rin-tracciare’ di Michela Modolo, una conversazione con l’artista, ricordando Osip Mandel’stam, e la performance delle soliste Lisa Lora, Luisa Lorenzi, Elisabetta Zoppelletto

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Elisabetta Zoppelletto, Lisa Lora, Luisa Lorenzi, Marica Rossi, Michela Modolo, Osip Mandel’stam

Il finissage di sabato 21 ottobre alle 17e30 della personale di Michela Modolo a cura di Resy Amaglio all’interno de “L’Antichità La Galleria” alle Alte di Montecchio Maggiore in via Nogara 24, sarà un singolare omaggio a più muse.
Queste mitiche dee ispiratrici sono infatti chiamate in causa dalla dovizia di vetri, arredi, pezzi antiquari di grande fascino e rarità e poi anche di design d’alto lignaggio consueti abitatori di questi spazi; poi per gli esemplari inediti dell’artista vicentina specialista di un’aulica arte che si richiama anche  alla tessitura evocando in questa temporanea col titolo “Rin-tracciare“ le liriche del poeta ebreo russo Osip Mandel’stam morto in un gulag staliniano nel 1938; e, infine, motivazione non certo ultima, per l’ideazione d’una performance coreutica che accompagna la conversazione di Michela Modolo sulle sue opere ispirando in contemporanea la danza delle soliste Lisa Lora, Luisa Lorenzi ed Elisabetta Zoppelletto. (Marica Rossi)

SABATO 21 OTTOBRE alle ore 17:30, avrà luogo una CONVERSAZIONE CON L’ARTISTA MICHELA MODOLO
a cura di Antichità La Galleria ed etradanzae20
Con la partecipazione delle danzatrici Lisa Lora, Luisa Lorenzi, Elisa Zoppelletto.
ANTICHITA’ LA GALLERIA
Via Nogara, 24 – Alte di Montecchio Maggiore (Vi) – Italia
tel/fax  +39 0444 69 99 97
info@antichitalagalleria.com 
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In Cammino con Alfonso Fortuna nella bellissima Soave

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Alfonso Fortuna, Marica Rossi, Philippe Daverio

Del talento nativo e dell’abilità di Alfonso Fortuna nel rappresentare immagini e valori nelle posture aggraziate e spesso giocose di fanciulli, allegoria e simbolo di quanto in età adulta dobbiamo recuperare per sentirci bene, dà testimonianza la personale “Sculture in cammino” che in terra veronese Soave dedica all’artista vicentino. La si inaugura sabato 30 settembre alle 18 nel Palazzo del Capitano dove le Botteghe di Soave col loro Comune han fatto sì che a presentare le opere sia lo storico dell’arte prof Philippe Daverio, che ha accettato l’invito dettosi subito convinto della genuinità e bontà del messaggio.

La mostra, quasi un’antologica aperta fino al 29 ottobre, è un concentrato della personalità espressiva di Fortuna del quale il centro storico raccoglie in più ambiti (Cortile del Palazzo del Comune, Chiesa di Santa Maria dei Padri Domenicani, e all’entrata della città)creazioni dal 1987 a qui. Un trentennio d’attività che vedono Alfonso Fortuna (nato a Sovizzo nel 1953 e ora operante in quel di Costabissara) partecipe a Fiere e a rassegne nazionali e internazionali del settore, essendo contemporaneamente dal 2001 alla ”MFF Galerie” di Parigi e, sempre in Francia, a St Paul de Vence, con sculture in permanenza. Suo inoltre il monumento a San Marcos in Guatemala dedicato ai raccoglitori di caffè (1999). Dal 2002 opere di grandi dimensioni sono in luoghi pubblici in varie città del Veneto, come “In letizia”, la panchina coi tre fanciulli davanti alla Chiesa dei Carmini di Vicenza, dove, come sempre del resto, emerge che alle posture aggraziate e all’incanto di quei volti gioiosi corrisponde la grande profondità di sentire dell’autore. Nel caso della rassegna di cui parliamo, è esemplare ”Aria”: un bronzo di tre metri ultimato per l’occasione e destinato alla porta d’ingresso di Soave. E’ l’invito più bello che si possa ad un visitatore: un segno benaugurante di serenità e cosmica armonia dell’esistere alla maniera di quel ”puer” di cui l’autore ben rappresenta la sostanza d’affetti e una vitalità che sappia di primavera.
Diceva il pedagogo Janusz Korczak “ Frequentare i bambini è faticoso: non perché bisogna curvarsi al loro livello, ma perché bisogna elevarsi all’altezza dei loro sentimenti”. Evidentemente Alfonso Fortuna l’ha fatto. (Marica Rossi)

L’associazione Botteghe di Soave, con il patrocinio del Comune di Soave e IAT Est Veronese, presenta la mostra “In Cammino”, personale dello scultore ALFONSO FORTUNA.
Al termine verrà offerto un simpatico buffet.
Luoghi di esposizione: Chiesa dei Domenicani, in via Castello Scaligero, e presso il cortile del Palazzo del Capitano (Municipio), in via Camuzzoni 8, a Soave (Verona).
La mostra sarà aperta i venerdì dalle 15,00 alle 19,30; i sabato e le domenica dalle 10,00 alle 12,00 e dalle 15,00 alle 19,30. Ingresso libero. INFO: Luigino Mericiani 328.0807212.